(AP) – ¿Quién sabía lo que traería la última era de Taylor Swift? ¿O incluso cómo sonaría? ¿Se basaría en el El mal humor de “Midnights” o el gente de “evermore”? El país o el pop de los 80 de sus últimas regrabaciones? O sus dos predecesores en portadas en blanco y negro: el pop vengativo de “Reputation” y el Americana literaria del “folclore”?
“The Tortured Poets Department”, que se presenta aquí el viernes, es una combinación de todo lo anterior y refleja a la artista que, en la cima de sus poderes, ha pasado los últimos años regrabando la obra de su vida y recorriendo su material, filtrado a través de himnos de synth-pop, baladas de ruptura, consideraciones provocativas y maduras.
En momentos, su undécimo álbum se siente como un derramamiento de sangre: una purga catártica después de una gran angustia entregada a través de una carrera vocal ascendente, un verso elegíaco o producciones móviles y sintetizadas que subrayan los poderes de la narración de Swift.
Y hay sorpresas. El sencillo principal y abridor, “Fortnight”, es “1989” para adultos y presenta a Post Malone. Puede parecer una combinación divertida, pero tarda mucho en llegar: al menos desde 2018, los fanáticos de Swift saben de su amor por “Better Now” de Malone.
“But Daddy I Love Him” es el regreso del country Taylor, en cierto modo: composición de cuento de hadas, un coro de banda completa, un valiente riff de guitarra acústica y una atrevida inversión lírica: “But Daddy I love him / I’m without his bebé / No, no lo soy / Pero deberían verse las caras”. (Los bebés aparecen en “Florida!!!” y también en el tema extra “The Manuscript”.)
El ficticio “Fresh Out the Slammer” comienza con un tono de guitarra realmente bonito y psicológico que desaparece bajo una producción arrastrada por el viento; la nueva ola adyacente “My Boy Only Breaks His Favourite Toys” trae de vuelta “Barbie”: “Me sentí más cuando jugábamos a fingir que con todos los Kens / Porque él me sacó de mi caja”.
Incluso antes Florence Welch comienza su verso en “Florida!!!”, la explosiva repetición del título de la canción por parte del coro golpea con fuerza el nostálgico indie rock de la década de 2010, tal vez una versión Swiftiana del universo alternativo de “Illinois” de Sufjan Stevens.
Como dice otro título, “Hasta luego, Londres”, de hecho.
Sería un flaco favor leer las canciones de Swift como puramente diarísticas, pero esa canción (la quinta de este álbum, que sus fans suelen calificar como la más devastadora de cada álbum) evoca sorprendentes paralelismos con su relación con cierto actor inglés al que ella dividirse en 2023. Colóquelo al lado de una oda de amor somnolienta como “La Alquimia”, con sus referencias a “touchdown” y eliminar a alguien “del equipo” y bueno… el arte imita la vida.
La venganza sigue siendo un tema omnipresente. Pero mientras que los himnos de represalia en “Midnights” eran vengativos, en “The Tortured Poets Department”, hay nuevas complejidades: “¿Quién teme a mi pequeño?” Combina la ambición musical de “evermore” y “folklore”, y agrega un bajo resonante en el puente, con sensibilidades arrancadas de la obstinada y armada “Reputation”. Pero aquí, Swift cambia principalmente el victimismo por seguridad en sí mismo, con defectos y todo.
“¿Quién tiene miedo de mi pequeño yo?” Ella canta. “Deberías estarlo”, responde ella.
Y, sin embargo, “The Smallest Man Who Ever Lived” puede ser su canción más mordaz hasta la fecha: “No estabas a la altura de ningún hombre”, canta sobre un piano propulsivo. “Te olvidaré, pero nunca te perdonaré”, describe a su objetivo, probablemente el mismo “golden retriever tatuado”, una descripción insulsa, mencionada en la canción principal.
Los pasos en falso son pocos y se encuentran en otras letras y canciones sensibleras como “Down Bad” y “Guilty as Sin?” que fallan cuando se colocan junto a los momentos pop más meditativos del álbum.
En otra parte, Swift muestra un espejo de su melodrama y melancolía: está llorando en el gimnasio, no le hables de “triste”, ¿se le permite llorar? Ella murió por dentro, cree que es posible que la quieras muerta; ella piensa que podría simplemente morir. Escucha las voces que le dicen “Luces, cámara, perra, sonríe / Incluso cuando quieras morir”, mientras canta en “I Can Do It With a Broken Heart”, una canción sobre sus propias actuaciones, en el escenario y como una figura pública.
“¡Soy miserable y nadie lo sabe!” ella se ríe al final de la canción antes de suspirar: “Intenta venir a buscar mi trabajo”.
“Clara Bow” entra en el panteón de los grandes temas finales de un álbum de Swift. El título se refiere a la estrella del cine mudo de la década de 1920 que ardía rápido y brillante: una de las primeras “it girl” y símbolo sexual de Hollywood sujeta a chismes mordaces, víctima de la misoginia fácil y cotidiana amplificada por la celebridad. Una vez que el duro acento de Brooklyn de Bow se escuchó en el cine sonoro, se rumoreó que su carrera había terminado.
En vida, Bow intentó suicidarse y fue enviado a un asilo, la misma institución que aparece en “¿Quién teme a mi pequeño?” “Clara Bow” funciona como una alegoría y una advertencia para Swift, de la misma manera Stevie Nicks “Mabel Normand”, otra trágica estrella del cine mudo, trabajó para la estrella de Fleetwood Mac.
Nicks también aparece en “Clara Bow”: “Te pareces a Stevie Nicks en el 75 / El cabello y los labios / La multitud se vuelve loca”.
Más tarde, Swift gira la cámara hacia adentro y la canción termina con ella cantando: “Te pareces a Taylor Swift bajo esta luz / Nos encanta / Tienes ventaja / Ella nunca la tuvo”. El álbum termina ahí, en lo que podría leerse como autodesprecio, pero que duele más como una frustrante autoconciencia.
Swift canta sobre un poeta torturado, pero ella también lo es. ¿Y no es fantástico que se haya permitido la licencia creativa?