Con más de cinco décadas a sus espaldas, Judas Priest tiene edad suficiente para conocer las reglas no escritas que hacen que un concierto sea memorable. Esa sabiduría benefició a todos el miércoles en un Rosemont Theatre abarrotado, donde la banda no intentó romper barreras estilísticas ni montar exhibiciones ostentosas diseñadas para volverse virales en las redes sociales. A veces, o especialmente en el siempre cambiante panorama de la cultura pop, nada supera a un clásico.
Con poco más que demostrar excepto su relevancia contemporánea 55 años después de formarse en Gran Bretaña, el grupo se apegó a sus técnicas distintivas y se centró en lo que importaba: la música y su vínculo férreo con la comunidad del heavy metal. Mientras muchos artistas dicen lo que la multitud quiere escuchar y luego repiten las mismas bromas en cada ciudad, Judas Priest dedicó poco tiempo a hablar y dedicó su presentación casi ininterrumpida de 105 minutos al proverbial paseo.
En sonido y visión, palabras y actitud, el quinteto encarnaba la liberación liberadora y el espíritu unificador del metal de la segunda ola. Para Judas Priest, eso significó apoyarse en el puro poder de su arte, la mentalidad outsider de sus letras y la teatralidad ocasional provocada por la pareja. El enfoque directo y contundente pareció a la vez sin complejos y vintage, por no mencionar que estaba en peligro en una era moderna propensa a estrellas solistas y producciones costosas y superiores.
Liderada por el vocalista Rob Halford, la banda forjó un asalto emocionante que proyectaba una dureza desafiante que podía resistir o vencer los desafíos descritos en muchas de sus narrativas. Robustos, resistentes y rebeldes, los temperamentos de las canciones trazaron una línea directa con los orígenes de la banda en las tierras baldías industriales de Birmingham, Inglaterra. Al igual que la cacofonía auditiva bien controlada que evocaba todo tipo de fabricación de acero: yunques machacados, máquinas de estampado ruidosas y hornos encendidos con fuego incluidos.
Esos paralelos asumieron además una forma visual durante “You’ve Got Another Thing Comin’”, un himno declarativo acompañado de imágenes históricas en blanco y negro de trabajadores trabajando en una fábrica. Y adoptaron un significado cargado en medio del vaivén de “Breaking the Law”, con Halford gritando “no sabes cómo es”, similar a un soñador desesperado que intenta hacer cualquier cosa para escapar de sus circunstancias aplastantes.
Los inadaptados, los forasteros y los obreros que se encontraban por todo el lugar entendieron exactamente lo que quería decir. Por otra parte, Judas Priest ha estado hablando con y para esas personas desde que Black Sabbath y Led Zeppelin estaban en su apogeo a mediados de los años 70. Rara vez preocupado por los símbolos convencionales, el coqueteo de Judas Priest con la fama comercial en los años 80 se produjo en sus propios términos.
Aunque la banda nunca se separó (una hazaña que la coloca en rara compañía de los Rolling Stones y otros miembros selectos de toda la vida), la salida de Halford a principios de los 90 desencadenó el inicio de un período olvidable que enajenó a todos menos a los intransigentes. El regreso del cantante en 2004 condujo a un renacimiento del segundo acto que hace mucho tiempo superó el mérito, la longevidad y la productividad asociados con la mayoría de las reuniones.
Lanzado a principios de marzo, el álbum número 19 de la banda, “Invisible Shield”, extiende una serie de potentes LP de estudio empañados sólo por el conceptual “Nostradamus” (2008). Sigue a la incorporación del grupo al Salón de la Fama del Rock and Roll en 2022; una caminata del 50 aniversario retrasada por la pandemia; y una autobiografía completa de Halford (“Confess”). Irónicamente, esos avances positivos se deben al tipo de cambios en la formación que a menudo significan el fin de las bandas.
En 2011, KK Downing, miembro de toda la vida, renunció repentinamente debido a desacuerdos internos. En 2018, su compañero guitarrista Glenn Tipton se retiró de las presentaciones en vivo después de que la carga de lidiar con la enfermedad de Parkinson se volvió demasiado difícil de soportar. En su lugar estaban el relativamente desconocido Richie Faulkner y el productor y músico Andy Sneap, respectivamente.
Si bien los puristas pueden irritarse por los reemplazos, cada instrumentista cumplió su parte del trato desde posiciones flanqueadas el miércoles. En lugar de simplemente replicar pasajes, Faulkner y Sneap jugaron con licencia expresiva. Los fuegos artificiales de seis cuerdas que llenaron los espacios entre los versos y el coro (armónicos apretados, tritonos chirriantes, solos intercambiados, solistas duplicados) estallaron con una nitidez que coincidía con la irregularidad de los riffs principales.
Si bien los últimos reclutas carecían de la química de sus predecesores, la sección rítmica de Judas Priest no dolía en vano. El bajista Ian Hill, el miembro más antiguo de la banda, permaneció en las sombras y actuó como un eje silencioso. Al captar las vibraciones resultantes, se aseguró de que los arreglos, incluso aquellos que apuntaban a la yugular (el intenso “Panic Attack”, el corte profundo “Saints in Hell”), permanecieran atados a un ritmo discernible. El compañero de Hill, el baterista Scott Travis, fue un nivel más allá.
Al cumplir 35 años en el grupo, Travis organizó una clínica. Su combinación de equilibrio, solidez, cronometraje, fuerza y firmeza le otorgó a Judas Priest bases inquebrantables y una dinámica contundente. Las cuatro extremidades de Travis navegaban por su equipo de contrabajo con una facilidad virtuosa. Fresco y comedido, evitó destellos innecesarios, como rellenos llamativos o ruidos de platillos intensos.
A veces, el crujido sostenido de la batería de Travis se parecía al de agujeros perforados en una gruesa chapa de metal. Durante una versión de “The Green Manalishi (With the Two Prong Crown)” de Fleetwood Mac, el estruendo de la percusión se transformó en una flota de apisonadoras que se acercaban.
Si el trueno de Travis sirvió como los rieles sobre los que viajaba la banda, las entregas de varias octavas de Halford funcionaron como el tren de alta velocidad que se precipitaba sobre atormentadores y detractores. Como era de esperar, el vocalista de 72 años, quien, con su gran y esponjosa barba blanca y su cabeza afeitada podría haber pasado por un personaje salido de una novela de Herman Melville, ya no posee el alcance casi infinito de su gloria. días.
Sí, Halford alcanzó agudos estridentes y notas que rompían cristales. Pero limitó su frecuencia y duración, y recibió la ayuda obvia de reverberaciones, ecos y bucles. No importa. Pocos cantantes logran abarcar tanto territorio. Menos aún logran una presencia más imponente en el escenario que el apodado Metal God, cuyo constante andar como un león enjaulado, su lenguaje corporal demostrativo y las animaciones de sus colegas y el público ocuparon el segundo lugar después de su impresionante vestuario.
Vestido con pantalones de cuero negro, botas y guantes, y andando en bicicleta a través de una serie de chaquetas de cuero hasta la cintura y las rodillas llenas de tachuelas, cadenas y borlas, Halford ejemplificó el comportamiento de motociclista de heavy metal que Judas Priest prácticamente inventó. Además de complementar el aspecto de sus compañeros, su ropa, que también incluía un chaleco de combate de mezclilla hasta el suelo que habría quedado ridículo en cualquier otra persona, reflejaba la fortaleza y determinación del material.
Rotando entre los papeles de nigromante (el espeluznante “Love Bites”), exorcista (el vicioso “Devil’s Child”) y cumplimiento (el elegante “Turbo Lover”) con autoridad decidida, el cantante encontró más tarde la fuente de la juventud mientras narraba los triunfos. de un cyborg heroico. Al alcanzar los extremos de las frecuencias superiores desde una postura agachada, la inquebrantable interpretación de Halford y compañía de “Painkiller” renovó el argumento a favor de la posición de la canción como la mejor composición de metal de las últimas tres décadas.
Después de ese tipo de esfuerzo, ¿quién podría culpar al cantante por permanecer sentado durante un rato? Al regresar al escenario en una Harley-Davidson, con una fusta en la mano, Halford se montó a horcajadas sobre la motocicleta durante la primera mitad de “Hell Bent for Leather” antes de lanzar una pierna por un costado y desmontar.
Tal como se esperaba. Judas Priest ejecutó el movimiento característico innumerables veces en el pasado. Sin embargo, al igual que el compromiso inquebrantable de la banda de combinar pesadez con melodía, algunas tradiciones nunca envejecen.
Bob Gendron es un crítico independiente.
Lista de canciones del Rosemont Theatre el 1 de mayo:
“Ataque de pánico”
“Tienes otra cosa por venir”
“Fuego rápido”
“Violar la ley”
“Rayo”
“Chupetón”
“El niño del diablo”
“Santos en el infierno”
“Corona de Cuernos”
“Pecador”
“Amante de los turbos”
“Escudo invencible”
“Víctima de los cambios”
“The Green Manalishi (With the Two Prong Crown)” (portada de Fleetwood Mac)
“Analgésico”
Bis
“Ojo eléctrico”
“El infierno se inclina por el cuero”
“Vivir después de medianoche”